Eusebius

Sergej Rachmaninov: - Morceaux de fantaisie, Op. 3: No. 2. Prélude in C-Sharp Minor - 10 Préludes, op. 23 - 13 Préludes, op. 32 Boris Giltburg, pianoforte. Naxos 2019 *** Il pianista israeliano Boris Giltburg negli ultimissimi anni si è dedicato all’incisione di molte opere di Sergej Rachmaninov. Non sappiamo se abbia intenzione di realizzare un’integrale, ma ad ogni modo siamo arrivati ormai al quarto disco, questa volta dedicato ai Préludes del compositore russo. Composti nell’arco di 18 anni e raggruppati in 3 diversi numeri d’opera, il famosissimo e isolato primo preludio in do diesis minore op.3 n.2 del 1892, i 10 preludi Op.23 completati nel 1903 e i 13 preludi op.32 del 1910, i Préludes rappresentano un insieme di brevi miniature che in realtà potrebbero essere considerate a posteriori come un ciclo unitario: alla pari dei 24 preludi di Chopin e di Scriabin, sono infatti composti in modo da abbracciare tutte le tonalità maggiori e minori, tuttavia il Rachmaninov concertista non propose mai la serie completa al suo pubblico. Il lungo periodo di tempo in cui furono composti permette di seguire l’evoluzione dello stile del compositore, a partire dal primo op.3 n.2, così amato dal pubblico che Rachmaninov non poteva terminare un concerto senza averlo suonato, passando per lo stile lirico e pienamente tardo-romantico dell’op.23, fino agli ultimi preludi dell’op.32 caratterizzati da un linguaggio più denso e complesso. Da un punto di vista interpretativo, ogni pianista che affronta questi pezzi, come anche altri di Rachmaninov, deve in qualche modo fare i conti con le registrazioni del compositore stesso. Rachmaninov ne incise infatti una manciata (8 per l’esattezza) che ancora oggi possiamo riascoltare. Il lascito discografico di Rachmaninov è stato infatti più volte ripubblicato e, nonostante siano incisioni effettuate tra gli anni ’20 e ‘40, la buona qualità di queste registrazioni ci permette di capire come mai il russo sia considerato uno dei maggiori pianisti del XX secolo. Oltre alla tecnica straordinaria, alla meravigliosa gamma di timbri, al suono potente o delicatissimo al bisogno, Rachmaninov possedeva anche un’incredibile sensibilità come interprete. Col passare degli anni i pianisti hanno imparato ad affrancarsi dalle letture di Rachmaninov stesso, com’è normale che sia. Si ricordano le interpretazioni fantasmagoriche e sfavillanti di Horowitz, quelle più severe di Richter, quelle celebri di Ashkenazy, che nel 1975 pubblicò per Decca la sua lettura dei Préludes, versione che viene ancora oggi periodicamente riproposta. In tempi più recenti il russo Nikolai Lugansky si è distinto negli ultimi 20 anni per le sue interpretazioni di Rachmaninov e proprio lo scorso anno ha inciso la sua versione dei Préludes per Harmonia Mundi. E’ vero che l’ardore che caratterizzava certi dischi del primo Lugansky (ascoltate gli Etudes-Tableaux per capire di cosa stia parlando!) nel corso degli anni ha lasciato il posto ha una passione molto più contenuta e se vogliamo austera, nonostante questo, però, avevo trovato il suo ciclo dei Préludes molto bello, profondo e elegante, quasi un punto di arrivo di un lunga maturazione interiore. Molto diversa è invece questa interpretazione di Giltburg, diversa nei tempi dalle versioni dello stesso Rachamninov, diversa nell’approccio dall’ultimo Lungasnky. Quello che subito si percepisce, fin dal primo ascolto, sono la vitalità, la luminosità e la naturalezza con le quali ci viene proposto il discorso musicale, anche quello più complesso, come capita a volte nell’op.32. I Préludes sono piccoli gioielli musicali tutti diversi tra loro per stile, carattere, colori, atmosfera, tuttavia Giltburg riesce nell’impresa di rendere coeso questo piccolo universo di mondi diversi, passando con grande spontaneità e facilità dal momento lirico a quello epico e solenne, dalla delicatezza impalpabile alla passione più veemente. Anche se potrà sembrare eccessivo, mi sembra di ritrovare in Giltburg una sensibilità e un istinto di interprete così autentici da ricordarmi le incisioni dello stesso Rachmaninov, pur nelle ovvie differenze che troveremmo se andassimo a confrontare i singoli preludi. E’ aiutato in questo da uno strumento davvero incredibile, un meraviglioso Fazioli, con bassi ricchi e profondi e un'incantevole ricchezza di timbri, che avrebbe fatto la gioia dello stesso Rachmaninov. Come avete capito questo disco mi è piaciuto moltissimo ed è senza dubbio una delle cose migliori che abbia ascoltato quest’anno. Devo ammettere che avevo apprezzato Giltburg di più in registrazioni di altri compositori, che non nei suoi precedenti dischi di Rachmaninov, ma questo disco rappresenta certamente il punto più alto di quelli dedicati al compositore russo, per intensità, inventiva e profondità interpretative. La discografia dedicata a Rachmaninov è ampia, affollata di straordinari pianisti e dominata dall’ingombrante presenza del compositore stesso, ma nella mia personalissima classifica questo è un disco che merita di essere tra i primi e che ricorderò a lungo! (Segnalo le note di copertina contenenti un saggio a cura dello stesso Giltburg, che potete leggere qui)

Leoš Janáček: quartetto per archi No. 1 "Kreutzer Sonata", quartetto per archi No. 2 "Intimate letters" György Ligeti: quartetto per archi No. 1 "Métamorphoses Nocturnes" Quartetto Belcea Alpha Classics 2019 *** Per una volta anticipo le conclusioni e vi dico subito che questo è un gran bel disco, sia per il programma tutto novecentesco, che mette insieme i meravigliosi quartetti di Janáček e il primo quartetto di Ligeti, che naturalmente per come è suonato dal Belcea Quartet. Curiosa la parabola artistica di Leoš Janáček, compositore moravo nato nel 1854 e morto nel 1928. Considerato uno dei massimi compositori dei primi decenni del ‘900, specialmente nel repertorio operistico, scrisse la gran parte dei lavori per cui è ricordato oggi solo negli ultimi 10-15 anni della sua vita e raggiunse un certo successo solo in tarda età. Sarebbe curioso anche accostare il percorso del moravo Janáček a quello del suo coevo Gustav Mahler, nato solo a un paio di centinaia di chilometri di distanza: mentre il primo rinnovò il linguaggio tardo-romantico di Smetana e Dvorak tramite una concezione molto libera dell’armonia e con un interesse da un lato per le avanguardie europee e l’espressionismo e dall’altro per il folklore moravo, il secondo fu forse l’ultimo straordinario erede del sinfonismo tedesco e non riuscì mai a rompere con le convenzioni del linguaggio tonale. Ma questo va ben oltre la recensione di questo disco, per cui se ne parlerà un’altra volta. Curioso invece che il Belcea quartet abbia deciso di ritornare in studio per registrare i due quartetti di Janáček dopo il successo che aveva riscosso proprio con il loro disco del 2003, ma questi due quartetti di Janáček sono talmente belli, che ogni nuova registrazione è benvenuta! Il disco del 2003. Il primo quartetto del 1923 trae spunto dal famoso racconto di Tolstoj “La sonata a Kreutzer”, in cui il protagonista arriva a uccidere la moglie per il sospetto che questa l’abbia tradito con un violinista, che lui stesso aveva presentato alla consorte, violinista che si faceva accompagnare dalla donna nella celebre sonata di Beethoven. La musica di Janáček si rifà all’atmosfera drammatica del racconto, che viene descritta con uno stile originale, procedendo tramite la contrapposizione di blocchi tematici diversi, con frequenti e bruschi cambiamenti di tempo, di tonalità, di espressione. Un tema ricorrente in tutti i movimenti, una sorta di leitmotiv, crea l’effetto di coesione di quest’opera. Il secondo quartetto del 1928, intitolato “Lettere intime” nasce invece dalla passione che infiammò il sessantenne Janáček per la giovane Kamila Stõsslovà. Leoš scrisse a Kamila più di 600 lettere in un periodo di 10 anni, fino a quando la moglie Zdenka non scoprì questa corrispondenza e lo convinse a bruciare tutte le lettere. Janáček le bruciò, ma decise comunque di raggiungere la sua amata e di mettere in musica la sua corrispondenza amorosa e i sentimenti e le emozioni di questa storia d’amore. Janáček morì sei mesi dopo aver terminato di comporre questo quartetto, a 74 anni. Janáček riprese in questo secondo quartetto alcuni elementi compositivi del primo, come le forti contrapposizioni ritrmiche e dinamici e il succedersi di episodi brevi e diversi, ma in un contesto più vario e comunicativo e decisamente meno drammatico. Nonostante il linguaggio originale e innovativo, sono entrambi lavori molto ascoltabili anche per chi frequenta poco la musica del ‘900 e che riescono a trasmettere grandi passioni e emozioni. Certamente il merito qui va allo straordinario quartetto Belcea, che affronta queste opere facendo rivivere tutte le emozioni che percorrevano l’anziano Janáček. Rispetto all’incisione del 2013 i tempi sono lievemente più lenti e l’impressione è che il Belcea controlli di più l’energia che scorre abbondante tra queste pagine, a vantaggio della trasparenza e dell’equilibrio tra le varie voci, senza perdere però in immediatezza e dinamismo. Gli ingegneri del suono di Alpha ci restituiscono un’immagine sonora del quartetto con i quattro strumenti molto vicini a noi e ben definiti nello spazio, cosa che va a vantaggio della chiarezza e della percezione dei dettagli. Il rovescio della medaglia è che si perde a mio avviso in coesione e naturalezza, che invece non mancavano nella registrazione del 2013. Ma il disco non finisce qui, perché l’ascolto prosegue con il primo quartetto del compositore ungherese György Ligeti (1923-2006), intitolato “Metamorfosi notturne”, che fu terminato nel 1954, due anni prima che il compositore lasciasse la patria per fuggire a Vienna, in seguito alla repressione sovietica della rivolta. Questo primo quartetto risente molto dell’influenza inevitabile di Béla Bartók ed è molto diversa dallo stile di Ligeti che conosciamo di più, che è quello degli anni ’60 e ’70. Non mancano però gli elementi di originalità. Definito da Ligeti come una “serie di variazioni senza un vero e proprio tema”, esplora in vario modo le possibilità degli strumenti, creando un universo sonoro che riesce a spiazzare continuamente l’ascoltatore, ma anche a rassicurarlo e a catturarlo, con un certo malizioso umorismo, nel suo percorso. Il Belcea dimostra una straordinaria affinità con questa musica, che richiede grandi capacità tecniche: l’esecuzione è assolutamente impeccabile e emozionante al tempo stesso. A mio avviso qui siamo ai livelli, se non meglio, del mio personale riferimento che è il quartetto Arditti. In conclusione, un gran bel disco di musica da camera del ‘900, ben pensato, ottimamente eseguito e assolutamente godibilissimo!

Franz Schubert: - 4 Impromptus, op. 90, D. 899 - Piano Sonata No. 19 in C minor, D. 958 - 3 Klavierstucke, D. 946 - Piano Sonata No. 20 in A major, D. 959 ECM 2019 *** Questo disco, da poco uscito per ECM, ma in realtà inciso nel 2016, segue quest'altro disco del 2015, in cui András Schiff riprendeva un repertorio che aveva già registrato nella prima metà degli anni '90 fa per Decca, utilizzando questa volta uno strumento d'epoca: Franz Schubert: - Sonata Op.78, D. 894 - Moments musicaux, Op.94, D. 780 - 4 Impromptus, Op.142, D. 935 - Sonata No.21, D. 960 ECM 2015 I due album si completano perfettamente, per repertorio e scelte interpretative: le ultime tre sonate per pianoforte e la D.894, i Moments musicaux, i due cicli degli improvvisi e i 3 pezzi D.946, tutti eseguiti al fortepiano. Interessante la storia dello strumento che sentiamo in questi dischi. Bisogna sapere che negli anni in cui visse Schubert, c'erano circa un centinaio di fabbricanti di fortepiano a Vienna. Questo strumento fu realizzato nel 1820 da Franz Brodmann, fratello del più noto Joseph, che un giorno dovette vendere la sua attività a un suo allievo, che di nome faceva Ignaz Bösendorfer! Il fortepiano entrò in possesso della famiglia imperiale e ne seguì il destino fino all'esilio di Carlo I in Svizzera nel 1919. Fu restaurato nel 1965 e acquistato nel 2010 da Schiff, che lo ha lasciato in prestito presso la casa di Beethoven a Bonn. Nelle note di copertina del disco del 2015 era lo stesso Schiff che ci raccontava di quanto il suo approccio alla musica eseguita con strumenti d'epoca fosse cambiato nel corso del tempo a partire dai primi anni '80. Era agli inizi affascinato dagli aspetti legati alla filologia e dalla fedeltà al testo scritto, ma ostile ai dogmatismi dei puristi, anche perché spesso le incisioni di quei tempi erano di qualità discutibile per via sia degli strumenti impiegati che degli interpreti. La rivelazione per Schiff fu l'aver suonato il fortepiano di Mozart nella sua casa di Salisburgo: la definisce un'esperienza che gli ha cambiato la vita! I pianoforti moderni da concerto sono infatti strumenti pensati per "proiettare" il suono in sale da concerto da migliaia di posti, con una dinamica e una brillantezza di suono impensabili all'epoca di Schubert. La musica di Schubert era suonata nei salotti borghesi, agli amici, in ambienti relativamente piccoli e così un fortepiano dell'epoca ha una gamma dinamica ridotta, diciamo dal pianissimo al forte. Per questo motivo le composizioni per pianoforte di Schubert, pensate per quegli strumenti, sono tanto difficili da rendere con gli strumenti moderni, che rischiano di soffocarne la dolcezza. Il Brodmann di Schiff, nelle sue mani, invece, si muove a meraviglia tra queste pagine, regalandoci una gamma di timbri, di effetti e di sfumature tra il ppp e il forte che hanno qualcosa di magico. E' uno strumento particolare con quattro pedali, cosa non inusuale a quei tempi, uno dei quali, detto "moderatore", che frappone un panno tra martelletti e corde (un po' come la sordina dei pianoforti verticali) e permette di ottenere un suono molto tenue e dolce. Ma ci sono altre cose che stupiscono, come la cantabilità della mano destra o come i diversi timbri dei tre registri (alti, medi e gravi hanno caratteri diversi) si fondano insieme. E attenzione, perché quando serve il Brodmann è capace di tirar fuori gli artigli anche nei passaggi più forti e energici. Il confronto con le interpretazioni degli anni '90 lasciano un po' interdetti: se quelle erano certamente molto belle, ma anche per certi versi anche un po' accademiche, qui invece quello che ci regala Schiff è un universo sonoro più vivo, palpitante e anche più vivace, pur nel consueto understatement del pianista ungherese. Non basta uno strumento d'epoca, per quanto magnifico come quello utilizzato qui, per far una bella interpretazione, occorre anche un pianista all'altezza e qui Schiff ci mette tanto del suo. Sicuramente è vero che conosce perfettamente il suo strumento e sa come domarlo e trarne il massimo, ma, al di là dell'aspetto tecnico, qui il pianista ci mette tantissima passione e la facilità con cui ci conduce tra le pieghe più intime dei pensieri del compositore è sicuramente il frutto di una lunga maturazione e di un profondo amore per queste pagine. Schiff ci dice che non smetterà di suonare Schubert su strumenti moderni, cosa in fondo necessaria dovendo per mestiere suonare in grandi auditorium, ma la dolcezza del suono di un fortepiano viennese sarà sempre ben presente nella sua mente, per provare a suggerire l'illusione dell'intimità anche in una sala da concerto. Noi continueremo a seguire András Schiff nelle sue esplorazioni con strumenti nuovi e d'epoca, così come ci piace seguire un altro pianista con la stessa grande passione per pianoforti antichi e moderni, Alexander Melnikov, di cui abbiamo già parlato diverse volte su queste pagine. Per il momento vi invitiamo senza esitazione ad abbandonarvi al fascino di questo disco, senza lasciarvi intimorire dal suono particolare del fortepiano.